線條與層次也可見於 粟津潔 的平板印刷畫 《天 海 西 東》 （1980），這是一幅方位地圖，當中圖像密集分層，標示南北方位的字樣則被「海」和「天」的英文字所取代。在 陳光輝 的 《風景》 （2007）中，傳統山水畫則經過不同程度的數碼抽象處理，再以漆髹在九塊木板上。這些作品中所作的實驗和新舊配合，包括所用的數碼技巧，體現了當代藝術對傳統的演繹。

另外，Tanatchai Bandasak和郭鴻蔚的作品探研天然礦石和水晶，讓我們明白只要用心，哪怕在大自然最微小的碎片中，也能發現宇宙。

展覽讓觀眾遇上看不見的另類想像世界，這如何跟整體主題扣連？

靳埭強 和 尼古拉斯．帕蒂 的畫作為這推思式的探索定下基調，探討如何以藝術表達與這些異世界之間的互動。兩幅作品像在叩問：我們如何談論只能主觀想像，而不能普遍傳達的靈性維度和彼岸世界的概念？

鹽保朋子 和 丁昌燮 的兩幅純白單色作品提供抒情的理解角度。鹽保的 《天根》 （2006）由三幅懸掛着的合成紙組成，紙上的鏤空圖案以水和根為主題，在燈光照射下投下暗影，讓觀眾得以看清隱藏於背後的實境。丁昌燮的 《歸77-N》 （1977）則鼓勵觀眾向畫布上細緻的桑皮紙投射自身想像。

張照堂 蔚為奇觀的十六毫米菲林錄像 《王船祭典》 （1979）記錄了台灣三年一度祭拜當地神祇王爺的儀式。《王船祭典》以麥克．歐菲爾德1975年的前衛搖滾專輯《奧瑪的黎明》為配樂，將這件作品的意義延伸至本土之外。與其相對的作品是 李受俓 的 《火焰變奏3-4》 （2013），她在傳統畫卷上描繪另一種火焰儀式，對稱地呈現地獄的情景。

傳統上，山水畫旨在喚起身處自然的感官體驗。這展覽亦一脈相承，讓觀眾以五感體驗藝術品。

展覽中有三個展廳都有日光映照，當中的藝術作品與天然光交相輝映，又與經過的遊人和室外掠過的飛鳥互動，令人聯想起身處大自然的感官體驗。王嘉佳的《山內之山》（2024）呈現一個散發繽紛光彩、會旋轉的紡織山水景致，圍繞它的是互動音響設備，播放大自然層次豐富的天籟之聲。

李禹煥 的大型場域特定裝置 《關係項──鏡之道》 （2021／2024）邀請觀眾踏過碎石和左右兩側各放了一塊大石的光滑鏡面。鏡面無限反射帶來宛如河流的動感，石頭構成的通道則散發寧靜和安穩之感。由清冷的晨光到和暖的暮光，作品皆與自然同步，並藉觀眾踏着碎石的腳步聲，創造出渾然天成的旋律。

另一回應大氣變化的美妙風景則可在 野口勇 的雕塑花園中找到。五件鍍鋅鋼雕塑展於香港天際線旁邊，每件均由三塊平面鋼板疊成立體的模樣，乃野口勇使用工業物料實驗為傳統雕塑加添現代意義的標誌性作品。 《天鏡》 、 《雨山》 、 《風斗》 、 《根與莖》 和 《形成中的山脈》 （1982–1983，1984和2019年重製）的形態和標題均隱喻自然。在同一個展廳中，王嘉佳的《趨光》（2024）會因應光暗和觀眾的活動而產生變化萬千的音景，以聲音為雕塑増添色彩。坐擁名山勝水的香港，同被帶入此「山水」展覽中，正顯示這些美學體驗和思考不囿於博物館的空間。

自然景觀見證了地球上有眾多主宰生命的時程，由悠長的地質年代到不同物種的生命周期不等。這個展覽如何投入到這些林林種種的時間尺度，並使之活現觀眾眼前？

在展出李禹煥和野口勇裝置作品之間的房間，時間促成改變、斷裂和演變的功能表露無遺。當中展出了闡述不同時間觀念的作品，或聚焦稍縱即逝的一瞬，或傳達長期持續和周而復始的意念。這些作品呼應展覽中其他以時間為本的體驗，鼓勵觀眾思索儀式、創作藝術和感知藝術所帶來的蛻變過程。

久門剛史 的概念性 黑白圖解 推想宇宙時間、自然定律和宇宙。 宮島達男 的大型數碼裝置 《Region No. 43701-No. 43900》 （1998）呈現一種電子景觀，當中欠缺零的跳動數字，反映生生不息的生命定律。 里爾吉．迪拉瓦尼 的浮雕日曆版畫 《時空旅人的日曆A》 和 《B》 （2013）呼應此想法，探討留下痕跡的舉動和循環往復的概念。另外，洪樹群的雙頻道錄像作品《下午四時》（2016）成為了一個窗口，兩組不斷循環播放的短片展示海景和岩石模型，明確表達山與水的辯證關係。

薛子江 1950年代的銀鹽照片述說着那個年代的故事，捕捉群山永恆的壯麗。同樣地， 榮榮與映里 的攝影作品呈現壯闊山景，渺小得近乎看不見的人赤裸躺臥其中，盡顯天地之磅薄和時空的宏大秩序。設計師 黃炳培 的跳字鐘 《當下2：now》 （2011）不斷提醒我們活在當下，因為這是我們唯一有可以理解和擁有的時光。 劉建華 的陶瓷牆雕塑 《白紙》 （2009）莊嚴高雅，其令人驚艷的工藝結合了脆弱與壯美，象徵着無限可能。這些靜止和流動的影像組合起來，為人類的存在提出種種哲學詮釋。